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Die Konstruktion von Wirklichkeit in den Werken von Thomas Struth

Thomas Struth, als Fotograf in der Düsseldorfer Fotoschule von Bernd und Hilla Becher beeinflusst, ist bekannt für seine über Jahre entstehenden Werkgruppen. Hierbei widmet sich der Künstler einem Thema, indem er ein Motiv in formal ähnlich bleibender Anlage so variiert, dass das zugrunde liegende Konzept sowie die spezifische Differenz sichtbar werden. Aufnahmen von Straßen und Plätzen internationaler Städte fordern in der Serie Unbewusste Orte zum vergleichenden Sehen heraus. Die Porträts von Familien zeigen die Beziehung zwischen Individuum und Gemeinschaft in unterschiedlichen Kulturen. Landschaften, z. B. der Serie Löwenzahnzimmer, und technische Anlagen werden zumeist menschenleer aufgenommen, führen uns dennoch die vom Menschen geprägte Welt vor Augen, gekennzeichnet von Kultivierung und Urbanisierung, Technisierung und Globalisierung. Die Gruppe der Museumsbilder wie Museo del Prado, zugleich Betrachtende und Betrachtetes erfassend, thematisieren Prozesse der Kunstrezeption auf einer Metaebene. Bildwelten und Weltbilder sind Gegenstand dieser künstlerischen Reflexion, die Sehgewohnheiten und Vorstellungen als Modelle des Wirklichen präsentiert und in Frage stellt.

Die Fortbildung führt in die künstlerische Position Thomas Struths innerhalb der zeitgenössischen Fotografie vor dem Hintergrund von Foto- und Medientheorie ein. Die Beziehung zwischen Bild und Welt sowie die Strategien zur Konstruktion von Wirklichkeit werden anhand exemplarischer Werke analysiert.

Termine: 22.01.2021, 10-17 Uhr

Dozentin: Dr. Marina Linares

Kursgebühr: 70 Euro

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Lehrerfortbildung Picasso/Miró Online 22.01.2021

Anlässlich seines 20jährigen Bestehens widmet sich das Kunstmuseum Pablo Pi-casso Münster der außergewöhnlichen kreativen Beziehung zwischen den beiden spanischen Jahrhundertkünstlern Pablo Picasso und Joan Miró. Im Februar 1920 trafen sie erstmalig in Paris zusammen, als der zwölf Jahre jüngere Miró dem bereits arrivierten Landsmann einen Besuch abstattete. Beide verband fortan eine lebenslange Freundschaft.

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Körper und Raum im grafischen und plastischen Werk von Rebecca Horn

Vertreten in namhaften Ausstellungen und ausgezeichnet mit dem Kunstpreis Praemium Imperiale, gehört Rebecca Horn zu den international bekannten Künstler*innen, die seit den Anfängen ihres Schaffens vor fünf Jahrzehnten gattungsauflösende und medienverschmelzende Positionen entwickelt haben. Zu den Ausdrucksformen der Bildkunst wie Zeichnung, Skulptur, kinetisches Objekt, Installation und Performance kommen bei ihr Video, Text, Bühnenproduktion sowie Licht- und Klanginstallation hinzu.

So wie die Performance den Körper als Koinzidenz von Künstler*in und Werk, von Gestaltendem, Handelndem und Empfindendem ins Werk setzt und eine Verbindung von Raum- und Zeitkunst herstellt, betont Horn das Körperliche in ihrer Kunst, zeigt Bewegungen und Berührungen, zeigt eine poetische Bildsprache, die Materialität und Medialität einbezieht. Ihre Grafik und Plastik wird so Teil eines Gesamtwerks, das existenzielle Motive und Themen aufgreift und umkreist, gestaltet und verwandelt.

Das Seminar gibt einen kunsthistorischen Überblick über das Gesamtwerk der Künstlerin und erklärt ihr grafisches und plastisches Œuvre in seiner Verbundenheit mit performativen und installativen Konzepten. Der offene Werkbegriff wird vor dem Hintergrund postmoderner Entwicklungen seit den 1960er Jahren, insbesondere der Performance, deutlich gemacht und das Spezifische der jeweiligen Gattungsverschmelzung reflektiert.

Termin: 05.02. oder 26.02.2021, jeweils 10-17 Uhr

Dozentin: Dr. Marina Linares

Kursgebühr: 70 Euro

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Edvard Munch: Grenzüberschreitungen – Modern, Mutig, Eigensinnig

Die Fortbildung bietet eine praktisch orientierte Annäherung an das malerische und grafische Werk von Edvard Munch. Es werden verschiedene Techniken in Malerei und Grafik vorgestellt und erprobt, die an die künstlerische Arbeitsweise von Munch heranführen. Dazu gehört der bildgestaltende Umgang mit flächigem Farbauftrag, spezielle Linienführung und der Einsatz von Farbe zur Erzeugung von Bildstimmungen. Der Einstieg findet über ein weibliches Modell statt und weiterführend in Arbeiten nach fotografischen Landschaftsvorlagen. Im Umgang mit einfachen Drucktechniken wird die Ausdrucksqualität grafischer Mittel sichtbar.

Termine: 25.04.2020 oder 15.05.2020, 10-17 Uhr

Dozentin: Susanne Müller-Kölmel

Kursgebühr: 75 Euro (inkl. Modellkosten)

Zzgl. Materialkosten: 20 Euro. Bitte alte Kleidung oder einen Kittel aus Ihrem persönlichen Fundus mitbringen!

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Thomas Struth: Fotografie als Konstruktion der Wirklichkeit

Ausgangspunkt der Fotoprojekte Thomas Struths ist die Idee. Erst dann folgt die Auswahl des Motivs. Seine Form ist eine dokumentarisch anmutende Serie von Abbildungen einer teilweise inszenierten Wirklichkeit.

Nach einer kurzen Einführung in einige Aspekte der Fotografie, Überlegungen zu Fotoprojekten und zu den Themen von Thomas Struth werden wir an verschiedenen Stationen praktisch arbeiten. Anhand verschiedener Werkgruppen Struths erkunden wir im Studio und im Außenraum, wie wir Wirklichkeit fotografisch abbilden, erfinden, ergänzen oder in das Bild integrieren können. Den Leitfaden bilden dabei Überlegungen, was ein Abbild sein kann und inwiefern wir Realität konstruieren wollen. Die Herangehensweise des Künstlers sowie die Inhalte und Kompositionen seiner Werke können dabei einen Startpunkt für unsere eigenen Arbeiten bilden – sowohl im Sinne der Aneignung als auch der Abweichung vom Vorbild.

Termine: 08.02. oder 22.02.2021 | jeweils von 10-17 Uhr

Dozent: René Sikkes

Kursgebühr: 70 Euro

Zzgl. Materialkosten: 10 Euro, Sicherer Umgang mit der eigenen Kamera ist Vorrausetzung und bitte eine Digitalkamera mitbringen.

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Rebecca Horn: Voller Energie und Leidenschaft

Rebecca Horns bildhauerische Arbeiten lassen durch die Körperlichkeit der Objekte oder auch in ihren Performances durch die Person des Performers selbst eine ganz eigene Bezugsebene zwischen Mensch und Raum entstehen. Räume erfahren eine regelrechte Inszenierung, in der der Betrachter zum Spiegelbild der Realität wird. Das kann durch Arbeiten, die in Material und Form von einer ausgeprägten Leichtigkeit gekennzeichnet sind, geschehen oder auch durch „Verselbständigung“ ursprünglich lebloser Gegenstände des Alltags.

Die Fortbildung beschäftigt sich mit den Möglichkeiten, eigene Gestaltungen von „Prothesen“ bzw. einsetzbaren „Werkzeugen“ zur Raumerfahrung zu entwickeln und praktisch umzusetzen. Rebecca Horns persönlicher Forscherdrang soll hierbei Vorbild sein und inspirieren. Ein weiterer Schwerpunkt kann die Konstruktion kleiner kinetischer Objekte sein. Manuell oder auch wahlweise mit einem kleinen Elektromotor angetrieben, wird hier „Bewegung“ thematisiert und so ein Raum inszeniert.

Termine: 12.01. oder 09.02.2021 | jeweils von 10-17 Uhr

Dozent: Siegbert Altmiks

Kursgebühr: 70 Euro

Zzgl. Materialkosten: 20 Euro. Bitte alte Kleidung oder einen Kittel aus Ihrem persönlichen Fundus mitbringen!

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Strategien der Bildentstehung in individuellen und gesellschaftlichen Kontexten bei Hannah Höch

Hannah Höch ist die einzige Frau in der turbulenten Berliner Dadaisten-Szene, begründet von Raoul Hausmann, mit dem sie in einer neurotischen Beziehung lebt und der sie als Dadaistin nicht anerkennt. Sie behauptet ihre Eigenständigkeit und beschäftigt sich intensiv mit der Collage. Ab 1919 schafft sie mit zusammengesetzten Foto- und Textfragmenten aus Berliner Zeitschriften ironisch-zeitkritische Fotomontagen, die zugleich ein sozialkritisches Kaleidoskop der Zwischenkriegszeit darstellen. Aus dieser Zeit stammen die Assemblagen aus vorgefundenen Objekten, die sie zum Teil auch als Gemeinschaftsarbeiten mit ihren Freunden Schwitters und Arp schafft. Bis 1933 entstehen „Symbolische Landschaften“. Nach der Trennung von Hausmann lebt sie eine Weile mit der Holländerin Til Brugmann zusammen. 1929 kehrt Höch nach Deutschland zurück und ist erschüttert über den wachsenden Einfluss der nationalsozialistischen Bewegung. Im nationalsozialistischen Deutschland lebt sie unauffällig in innerer Emigration. Nach dem Krieg wird ihr in bitterer Armut auf Anregung von Arp ein Ehrensold der Stadt Berlin bewilligt.

Die Fortbildung vermittelt biografisches und kulturwissenschaftliches Wissen, einen Einblick in das jeweilige künstlerische Werk und gibt praktische Anregungen, wie man sich beispielhaften Werken inhaltlich und interpretatorisch nähern kann.

Termin: 12.02.2021 | 10-17 Uhr

Dozentin: Heike Ising-Alms

Kursgebühr: 70 Euro

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Gestaltete Realitäten im malerischen und grafischen Werk – Speziell die grafische Technik „Aquatinta“ in den Radierungen von Francisco de Goya

Auf Grundlage der Betrachtung einiger Bildbeispiele aus dem grafischen Werk Goyas, beispielsweise aus dem zwischen 1793 und 1799 entstandenen gesellschaftskritischem Zyklus „Los Caprichos“ oder aus der Serie „Desastres de la Guerra“ (1810-1814) werden Sie in der Druckwerkstatt die Technik der Aquatinta erlernen oder vertiefen und mit den klassischen Kratz-, und Zeichentechniken des Tiefdrucks kombinieren. Sie werden die nötigen Arbeitsvorgänge, deren Handhabung und deren Sicherheitsvorkehrungen durch gezielte Anweisungen kennen und anwenden lernen. So wird Ihnen beispielsweise der Harz Kolophonium und dessen Aufbringen auf den Druckträger durch den Staubkasten oder das „Beutelkorn“, das „Schmelzen“ des Korns durch den Bunsenbrenner, verschiedene Zeichentechniken (etwa mittels Abdecklack) und schließlich der Ätzvorgang in einer leichten Säure vorgestellt. Ihnen wird zudem gezeigt, wie Sie alternative „Rastermethoden“ erarbeiten und lehren können und mit welchem Papier Sie auf welche Art bessere Ergebnisse erlangen.

Termin: 17.02.2021 | 10-17 Uhr

Dozent: Jan Erik Parlow

Kursgebühr: 70 Euro

Zzgl. Materialkosten: 20 Euro. Bitte alte Kleidung oder einen Kittel aus Ihrem persönlichen Fundus mitbringen!

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Die Konstruktion von Wirklichkeit in den Werken von Francisco de Goya

Francisco de Goya ist ein neuer Typus von Künstler – ein „bitteres und trauriges Genie“ (Félicien Fagus) – in einer Zeit, die von den freiheitlichen Idealen der Französischen Revolution geprägt ist. Der Übergang von der feudalen Ständegesellschaft zur bürgerlichen Klassengesellschaft findet seine Entsprechung in der künstlerischen Haltung und im Werk des liberalen Künstlers: seine Lebensstationen sind die des monarchistischen Hofmalers, Zeitzeuge der Napoleonischen Herrschaft über Europa, aber auch die des künstlerische wie politische Distanz überwindenden Anklägers von Inquisition, Krieg und Folter in der nachnapoleonischen Restauration. Sein künstlerischer Blickwinkel wird auch durch einen Schicksalsschlag beeinflusst. Nach einem Schlaganfall 1792 ändert sich Goyas Leben drastisch. Er wird taub und entwickelt, bedingt durch eine veränderte Sinneswahrnehmung, eine Perspektive der Verinnerlichung, ohne Rücksichtnahme auf gesellschaftliche Konventionen. In seinen Werken spiegelt sich diese Haltung in Verbindung mit seiner Vorstellungskraft wider und er bringt Ironie, das Groteske und Obszönität in die Kunst: Er „geht den Leichen zu Leibe und den Grausamkeiten auf den Grund“.

Die Fortbildung vermittelt biografisches und kulturwissenschaftliches Wissen, einen Einblick in das jeweilige künstlerische Werk und gibt praktische Anregungen, wie man sich beispielhaften Werken inhaltlich und interpretatorisch nähern kann.

Termin: 18.02.2021 | 10-17 Uhr

Dozentin: Heike Ising-Alms

Kursgebühr: 70 Euro

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Die Konstruktion von Wirklichkeit in den Werken von Edvard Munch

Eine demaskierende Menschensicht prägt das malerische und grafische Werk von Edvard Munch, es schöpft aus seiner individuellen Biographie. Traumatische Erlebnisse wie der Tod von Mutter und Schwester setzt er in eine einzigartige Symbolik von hoher emotionaler Intensität um. Sein berühmtestes Bild „Der Schrei“ gilt als eine Ikone der Moderne. Obwohl es für Generationen zu einem universellen Symbol menschlicher Angst geworden ist, stellt es eine zutiefst persönliche Antwort auf Munchs Herkunft, Erfahrung und psychische Instabilität als junger Künstler dar. Rebellisch und hungrig nach neuen Erfahrungen, lehnt er seine strenge pietistische Erziehung ab, um einen unkonventionellen Lebensstil zu verfolgen. Er bereist Europa und zieht künstlerische Inspiration aus den Bohème-Kreisen sowie seinen leidenschaftlichen Liebesbeziehungen in den Städten Oslo, Berlin und Paris. Sein Hauptwerk ist der Lebensfries, den er in einem 1918 veröffentlichten Text als „eine Dichtung über Leben, Liebe und Tod“ beschreibt. Wie andere Maler im frühen 20. Jahrhundert benutzt Munch die Fotografie. Wie besessen malt er Selbstporträts. In den dreißiger Jahren leidet er an einer Augenkrankheit und schafft Arbeiten, die die Auswirkungen seines degenerierenden Anblicks darstellen. Anerkennung als Künstler, Ruhm und Wohlstand wachsen in einem sich schnell wandelnden Europa stetig, er zieht sich jedoch in die selbstgewählte Einsamkeit inmitten seiner Bilder im norwegischen Christiania zurück. Dort bleibt er auch von den Diffamierungen im nationalsozialistischen Deutschland als „entarteter“ Künstler unbehelligt. In den letzten Jahren muten seine Bilder lebensbejahender an.

Die Fortbildung vermittelt biografisches und kulturwissenschaftliches Wissen, einen Einblick in das jeweilige künstlerische Werk und gibt praktische Anregungen, wie man sich beispielhaften Werken inhaltlich und interpretatorisch nähern kann.

Termin: 19.02.2021 | 10-17 Uhr

Dozentin: Heike Ising-Alms

Kursgebühr: 70 Euro