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Kunstpädagogin / Kunstpädagoge

Die Weiterbildung dient der Qualifizierung zum kunstpädagogischen und kunsttherapeutischen Arbeiten. Durch eine Kombination aus Theorie und vor allem Praxis erlangen unsere Teilnehmenden relevante Kenntnisse für die qualifizierte pädagogische Arbeit mit dem Medium Kunst. So sollen Fach- und Sachkompetenzen in Kunst und Pädagogik vermittelt, verknüpft und praktisch umgesetzt werden. Gemäß den Anforderungen der beruflichen Weiterbildung werden über die rein fachlichen Ziele hinaus auch Sozial- und Methodenkompetenz vermittelt. Allgemeine und fachliche Lernziele sind: Förderung sozialer Kreativität, Entwicklung und Schulung des Urteilsvermögens, Kritikfähigkeit, Bereitschaft zur Kommunikation und Interaktion, Teamfähigkeit und Handlungskompetenz. Die Methoden folgen dem ganzheitlichen Ansatz und vermitteln in kreativen Prozessen spielerisch Grundlagen in Kunst und Kunstpädagogik. Die Kunst hat schon lange das traditionelle „Tafelbild“ verlassen und sich neue Möglichkeiten geschaffen. So sind auch andere Künste wie die Musik, Theater sowie Bewegung hinzugekommen und erfassen in ihren Ansätzen den ganzen Menschen mit all seinen Ausdrucksmöglichkeiten.

Inhalte & Module

✓ Pädagogik und Didaktik
✓ Zeichnen und Malen
✓ Museumspädagogik & Kulturvermittlung
✓ Kulturelle Teilhabe und Diversity
✓ Ästhetische Bildung
✓ Zeichnerische Ausdrucksmöglichkeiten/Comic
✓ Plastisches Gestalten
✓ Aktzeichnen
✓ Radierung und Druck
✓ Wahrnehmen und Gestalten
✓ Upcycling
✓ Arbeiten mit Holz
✓ Steinbildhauerei
✓ Kunst in pädagogischen Prozessen
✓ Graffiti & Streetart
✓ Ressourcenorientierte Kunsttherapie und Kunsttherapeutische Methoden
✓ Inklusion & Integration in künstlerischen Prozessen

Zielgruppe

Die Weiterbildung richtet sich an Lehrer*innen & Erzieher*innen, Sozialpädagog*innen sowie Beschäftigte in: schulischen & außerschulischen Bildungseinrichtungen, Kindergärten & Kitas, Offener Jugendarbeit, Altenheimen, Einrichtungen der kulturellen Bildung und pflegerischen Berufen.

Service Learning

Begleitet wird die Weiterbildung durch das Modell des Service Learnings. Dieser Ansatz stammt aus dem anglo-amerikanischen Raum und umfasst im Wesentlichen die Kombination aus kognitivem Lernen und praxisnaher Anwendung. Im Praxismodul setzen die Teilnehmenden ihre Kenntnisse aus der Theorie anhand eines konkreten Konzepts in der Praxis um. Die Weiterbildung schließt mit der Präsentation dieses Abschlussprojekts. Das Praxisprojekt kann diverse Facetten haben und soll der Arbeitsrealität der Teilnehmenden nahe kommen. Bei berufsbegleitenden Weiterbildungen können Inhalte und Vorgaben der Arbeitnehmer*innen berücksichtigt werden.

Bildungsziele

✓ Vermittlung theoretischer sowie praktischer Kenntnisse für die Arbeit in diversen pädagogische Berufsfeldern
✓ Vermittlung von Didaktik und Methodik
✓ Praxisnahe Vermittlung
✓ Praxisorientierte Anwendung von Techniken und Methoden
✓ Umsetzung eines Praxisprojekts

Umfang & Ablauf

✓ Dauer: 18 Monate (Start: jedes Quartal)
✓ Struktur: 332 Unterrichtseinheiten (18 Wochenend-Seminare, + 5-tägiger Bildungsurlaub)
✓ Abschluss: großes Zertifikat in kunstpädagogischem & kunsttherapeutischem Arbeiten
✓ Weiterbildungsgebühren: 220 €/ Monat (Gesamt: 3.960€)
✓ Kursgröße: 5-12 Teilnehmende

Abschluss

Mit Abschluss der Weiterbildung erhalten Sie ein ausführliches Zertifikat über ‚Kunstpädagogisches & kunsttherapeutisches Arbeiten‘.

Förderungen & Ermäßigungen

Die Einreichung von Bildungsscheck und Bildungsprämie bis zu 500,00 € ist möglich.

Die Weiterbildungsgebühren können zudem von der Finanzbehörde als abzugsfähig anerkannt werden.

Seminarort

Der Kurs findet in unseren Seminarräumlichkeiten in Köln statt: Hamburger Straße 15-17, 50667 Köln.

Ansprechpartner

Bei Fragen zu Ablauf und Inhalten sowie weiterem Beratungsbedarf wenden Sie sich gerne an unsere Kursleitung Jan Hochkamer und Jérôme Lenzen. Sie erreichen uns telefonisch unter 0221-1390551 sowie persönlich in der Hamburger Straße 15-17, 50667 Köln oder per E-Mail: kik[at]daskulturgetriebe.de

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Szenische Lesung für Kinder und Jugendliche

Szenische Lesungen sind eine Mischform aus Vorlesen und Vorspielen. Für die szenische Lesung werden Teile einer Kindergeschichte umgeschrieben und in ein kindgerechtes Inszenierungsformat überführt. Die Figuren der Geschichten werden von mir in Szene gesetzt und dadurch lebendig! Sie treten in Interaktion mit den Kindern in Interaktion und motivieren diese, aktiv am Geschehen der Geschichte mitzuwirken. Diese Interaktion ermöglicht die größtmögliche Teilhabe an der vorgelesenen/vorgespielten Geschichte. Die szenischen Lesungen eignen sich sowohl für Kindergartenkinder, als auch für Grundschülerinnen und Grundschüler und Jugendliche. In dieser Fortbildung wird Ihnen die Möglichkeit gegeben, sich im Format der szenischen Lesung auszuprobieren und zu lernen, diese als didaktisches Tool in Ihren Unterricht zu integrieren. Dabei stehen folgende Fragen im Fokus der Fortbildung: 1) Welche Geschichten eignen sich für eine mobile szenische Lesung und welche weniger? 2) Wie schreibe ich Dialogstrukturen um, sodass sie spielbar werden? 3) Wie muss sich das Klassenzimmer gestalten für eine szenische Lesung (Stichwort Bühnenbild)? 4) Wie gestalte ich die Figuren der Geschichte? 5) Wann muss ich Geschichten umschreiben, sodass sie darstellbar werden? — Im Rahmen der Auseinandersetzung mit den Figuren der zu inszenierenden Geschichten würde es sich anbieten, mit Schauspielübungen den Teilnehmenden eine Exploration mit der eigenen (auch habitualisierten) physischen Konstitution zu ermöglichen und Möglichkeiten der Darstellung zu erforschen. Neben der Beantwortung der aufgeführten Fragen, möchte ich es Ihnen ermöglichen Geschichten zu adaptieren und im Rahmen der Fortbildung auch zu präsentieren.

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"Mini da Vincis": Forschen und Gestalten

Kinder werden zu forschenden Künstlern bei diesem wissenschaftlich-künstlerischen Projekt, das seit Jahren in Düsseldorf erfolgreich in mehreren Grundschulen umgesetzt wird. Die Kinder lernen verschiedenste Arbeitsweisen und Techniken kennen und begegnen immer neuen Herausforderungen: vom Beobachten in der Natur bis zum Erforschen von Gesetzmäßigkeiten mit Hilfe von Alltagsgegenständen und frei verfügbaren Materialien.

So erleben sie sich selbst als Gestaltende einer Welt, deren Gesetzmäßigkeiten sie immer besser verstehen lernen.

Erfahrungsgemäß sind die Momente, in denen die Kinder freie Hand haben und mit den ihnen zur Verfügung gestellten Materialien ohne Versuchsanordnung, Vorschriften und Ermahnungen umgehen dürfen, "Sternstunden", in denen das aufregend Neue geschieht. Hier ist die Schnittstelle zwischen naturwissenschaftlichem Experiment und experimentellem künstlerischem Ausdruck!

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Decolonizing Art History. Zur postkolonialen Revision europäischer Kunst

Vor dem Hintergrund anhaltender Migrationsbewegungen, perpetuierter und neuer Formen des Kolonialismus, erstarkender Integrismen und Identitarismen sowie einer zunehmenden Bedeutungsverschiebung des Rassismusbegriffs wandelt sich auch die Erforschung der (Vor)Geschichte globaler Verflechtungen, kolonialer und binnenkolonialer Machtverhältnisse und der damit einhergehenden Konstruktionen des Eigenen und des Fremden. Postkolonialen Forschungen folgend gilt es zu prüfen, inwiefern diese Prozesse auch und möglicherweise besonders die bildenden Künste und ihre Historiographie betreffen. Zugleich ist zu fragen, wie sich Ansätze der Post Colonial Studies zu den historischen Begriffen der Konstitution von Macht und Herrschaft insgesamt und den zu deren Analyse in anderen Diskurszusammenhängen entwickelten Modellen und Ideologemen (z.B. Humanismus, Zivilisationsprozeß, Sozialdisziplinierung, Urbanisierung, Kapitalismus, Imperialismus, Modernisierung, Gender, Antisemitismus, Binnenkolonialisierung, Globalisierung) verhalten.

Die Tagung „Decolonizing Art History. Zur postkolonialen Revision europäischer Kunst“ nimmt die hochaktuellen identitäts- und kulturpolitischen Debatten etwa über einen neuen Umgang mit dem kolonialen „Erbe“ zum Anlaß, um deren Folgen für den Blick auf die europäische Kunst und deren Geschichte auszuloten. An ausgesuchten Werken fragt die Tagung hierzu im Sinne einer postkolonial perspektivierten Revision nach im- oder expliziten Kolonialismen. Im Zentrum steht dabei die Frage, auf welche Weisen und in welchem Umfang Werke der europäischen Kunst und die Kunstgeschichte selbst mit Kolonialismus und affinen Denk- und Handlungsmustern in Zusammenhang zu bringen sind und welche Bedeutung dies für Herrschafts- und Hegemoniebegründungen in historischen und aktuellen Feldern der Politik, den Künsten und Kunstdiskursen hat.

Es gilt zu fragen, auf welche Weise Artefakte an Konstruktion und Distribution kolonialer Kategorien wie dem „Anderen“ und „Fremden“ sowie an herrschaftslegitimierenden Diskursen Anteil haben und damit schließlich auch daran partizipieren, was als „Eigenes“ und „Vertrautes“, Herrschendes und Beherrschtes erscheint und wirksam wird. Inwiefern verhalten sich koloniale Stereotype spiegelbildlich zu herrschaftssichernden Fremd- und Selbstbeschreibungen? Mit welchen visuellen Strategien wird hier bewußt oder unbewußt argumentiert und gearbeitet? Von welcher Kolonialgeschichte oder welche Kolonialgeschichten erzählen die einzelnen Werke? Und inwiefern kann oder muß Kunst generell als eine Praxis verstanden werden, die im Zu-Sehen-Geben Differenzen zwischen Eigenem und Anderem voraussetzt, perpetuiert und schafft?

Die Tagung richtet sich besonders an Kunstlehrerinnen und -lehrer, für deren tägliche Arbeit mit und an Werken der europäischen Kunst die postkoloniale Kritik ein kultur- und bild-politisch hochaktuelles Werkzeug darstellt, um aktuelle Kolonialismen, Diskriminierungen und Machtverhältnisse aus der historischen und systematischen Tiefe der Kunstgeschichte heraus bis zur Gegenwartskunst und visuellen Alltagsgestaltung zu reflektieren und dekonstruieren, um sie zu anderen Deutungsmustern der politischen Funktionen von Kunst und Künsten ins Verhältnis zu setzen.

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Upcycling

Zeitraum

05.03.2018 bis 09.03.2018

Halt: nicht wegwerfen! Noch in Gebrauch! Großformatige und farbintensive Raum-Installationen sind nicht auf teure Arbeitsmaterialien angewiesen. Ver- und gebrauchte Alltagsgegenstände aus Plastik, Nylon, Pappe, Holz oder Metall bieten eine kostengünstige und dennoch ästhetisch erscheinende Möglichkeit für plastische und räumliche Gestaltungen.

Mit Alltagsmaterialien können atmosphärische Welten inszeniert werden, die gleichermaßen die Fantasie der Künstler*innen und der Betrachter*innen anregen.

Thematische Schwerpunkte
»» Methoden zum Einstieg in den künstlerischen Prozess mit den unterschiedlichen Materialien
»» dreidimensionale individuelle Bilder
»» Raum-Installationen mit Alltagsgegenständen und performatives Spiel

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bauhauspolitik. der neue mensch

Immer von Neuem muss der tief in die Gesellschaft und ihre Grundlagen hineinwirkende Anspruch des Bauhauses aus der oberflächlichen Adaption seiner Grundlehre, Produkte und Formen herausgearbeitet werden. Einhundert Jahre nach der Gründung des Bauhauses richtet die Tagung den Blick hierzu ganz auf dessen Einbindung in die sozial-, wirtschafts-, kultur- und bildungspolitische Umwälzung der Moderne.
Bis in die einzelnen Gestaltungsvorgaben prägte die Erwartung, der Gesellschaft gestaltend dienen zu dürfen, Lehre und Arbeit am Bauhaus. Diese demütige Selbstaufgabe, die von Studenten gelegentlich als „Gehirnwäsche“ erlebt und bezeichnet wurde, belohnte das Bauhaus mit einem besonderen ästhetischen und sozialen Genuss: dem gemeinsam erlebten Pathos der Nüchternheit. Den Bauhäuslern versprach man hierzu nicht mehr und nicht weniger als die Mitwirkung an der Herausbildung einer neuen Gesellschaft und des Neuen Menschen.
Um die Dringlichkeit der Transformation von Mensch und Gesellschaft zu unterstreichen, wurde die Gesellschaft dabei als Notgesellschaft vorgestellt. Die Verknappung der Ressourcen begründete die Forderung nach Übertragung der Prinzipien der Ökonomie auf Gestaltung und Selbstdisziplin. Hierin begründeten sich etwa auch die Enthistorisierung und die Typisierung in der Lehre und Gestaltung am Bauhaus. Die Gewissheit, ganz einer absoluten und totalen Moderne zu dienen, prägte die avantgardistische Radikalität im gesamten ästhetischen und politischen Diskurs am und ums Bauhaus.
Unter dem Anspruch kultureller Nachhaltigkeit als Teil einer Bildung für nachhaltige Entwicklung lebt diese Forderung nach einer Ökonomisierung der Gestaltung aktuell wieder auf. Auch um die Intentionen solcher Forderungen und ihre Wirkung auf Gesellschaft, Politik und Kultur begreifen und einordnen zu können, hilft es nach hundert Jahren neu ernst zu nehmen, was schon das Bauhaus vor allen Dingen war: Teil einer tiefgreifenden politischen Operation an der Gesellschaft und jedem einzelnen Menschen.
Im Spiegel der Bauhausdebatten bleiben auch Aporien der Politik greifbar, von denen noch heutige Kontroversen geprägt sind. Mitten im globalen Roll-Back unserer Tage begreift die Tagung das Ringen des Bauhauses um die Moderne als Menetekel des heutigen Ringens um Begründung und Zukunft von Politik und Gesellschaft.
Die Tagung richtet sich besonders an Kunstlehrerinnen und -lehrer, die ihr Unterrichtsfach in der aktuellen Diskussion um die gesellschaftliche und politische Verantwortung von Gestaltung und Bildung aus der Substanz des Faches heraus verorten.

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Künstlerisch systemische Therapie

Zeitraum

05.11.2018 bis 09.11.2018

Wirksame kreative und künstlerische Veränderungsprozesse anregen Künstlerische Therapien setzen disziplinübergreifend künstlerische Formen oder Medien wie Tanz und Theater, Musik und Malerei etc. in psychotherapeutischen Prozessen ein. Die künstlerisch-systemische Therapie sieht darin nicht nur eine methodische Komponente, sondern legt dem therapeutischen Veränderungsprozess ein systemisches Prozessverständnis zugrunde: Über das Medium Kunst werden Klient*innen zu irritierenden und weiterführenden Erlebens-, Verhaltens- oder Sichtweisen eingeladen.

Die Kurswoche bietet eine praktische Einführung in die künstlerisch-systemische Therapie im Querschnittsbereich zwischen Tanztherapie, Theatertherapie und systemischer Therapie. Erweitern Sie als Künstler*in, Pädagog*in und/oder Therapeut*in kreativ ihr Handlungsrepertoire, sowohl für die professionelle Rolle als auch für persönliche Anliegen

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Holzspielzeug selbst bauen

Zeitraum

01.10.2018 bis 05.10.2018

Wie kann ein Kind mit wenigen Handgriffen ein Spielzeug bauen, mit dem es richtig gut spielen kann? Was lernt das Kind dabei über das Bauen mit Holz?

In einfachen Schritten lernen Sie, wie Sie Spielzeuge kinderleicht selbst herstellen können. Bauen Sie Fahrzeuge, Flugzeuge, Boote und Kegelspiele, Kreisel-, Zauber- und Puzzlespiele aus Holz mit geringem Werkzeugeinsatz! Alle Spielsachen eignen sich für die Praxis auf Abenteuerspielplätzen, in Kinder- und Jugendzentren, für die Spielmobilarbeit, die Ferienfreizeit sowie für Ganztagsschulen.

Thematische Schwerpunkte
» Werkzeuggebrauch
» Werken mit Holz
» kindliche Förderung durch Bauen

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Zwischen Deko und Diskurs. Kunst für Oligarchen vs. Kunst für Kuratoren?

Die Tagung greift Titel und Fragestellung eines Textes von Wolfgang Ullrich auf, der im Juli dieses Jahres im „perlentaucher“ erschien und weite Resonanz fand. Der Streit um eine überschuldete documenta 14 in zwei Städten, eine von Staaten und Firmen aufwendig finanzierte Biennale Venedig, und schließlich eine Kunstmesse Basel, die mit internationalem Staraufgebot an Künstlern und hyperpotenten Käufern Kassel längst den Ruf der „wichtigsten Weltkunstausstellung“ streitig macht – ist es richtig, dass sich da, wie Wolfgang Ullrich es formuliert, ein Schisma in der zeitgenössischen Kunst vollzieht ? Zwischen Werken für den Markt der Superreichen und Werken für Kuratoren, die das „Distinktionsbedürfnis der Diskurseliten“ befriedigen? Stehen wir vor einer Absage an die gesellschaftliche an die gesellschaftliche Funktion der Kunst auf der einen und die Beförderung einer politisierten, theorielastigen Kunst auf der anderen Seite?

Im Kunstmarktteil des Handelsblatts konstatierte Christian Herchenröder: “Kunsthistorische Weihen spielen angesichts dieser Marktpositionen nur eine Nebenrolle. War es früher umgekehrt, so entscheiden heute die Publizität eines Künstlers und die Intensität seiner Vermarktung über seine Museumskarriere und den globalen Ausstellungsbetrieb. Der Markt hat sich verselbstständigt, Sammler und Investoren prägen das Geschehen. Die Museen hinken teuer nach.“ (25.-27. 8.2017)

Ist dies eine grundlegende Krise der Kunst, und wie sieht in ihr die Rolle der Künstler, der Kuratoren, der Sammler, der Museen, der Kunstvereine und des Kunstpublikums aus? Wie steht es um die ethischen und moralischen Grundlagen der Kunst, um die Kunstkritik, um die Kunstgeschichte in dieser Zeit? Wie steht es um politisches Engagement und gesellschaftliche Verantwortung der Künstler?

Fragestellungen dies, die 2014 in der Ingelheimer Tagung schon angerissen wurden. Heute indes ist die Situation verschärft, aufgebrochen. Zwischen einer documenta, die „kaum Kunst im kunsthistorischen Sinn“ zeigt, und einer Biennale Venedig, in der Galerien, Sammler, Sponsoren, Länderkommissare, Länderkommissionen an Entscheidungen und Finanzierungen beteiligt sind, gibt es kaum Berührungspunkte. Und im internationalen Handel mit Kunst werden für Werke, die „oft von anspruchsbefreiter Dekoration nicht mehr zu unterscheiden sind“ (beide Zitate Sabine B. Vogel, Die Presse, Wien, 8.7.2017) Spitzenpreise platziert. Von Käufern, die hier ein neues Anlagegebiet und Feld für schnelle Spekulationen entdeckt haben.

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Unbedingt! Zutritt für alle zu Kunst und Kultur

Kongress in Freiburg

am 25. und 26. Juni 2015

Zweifellos bewegt sich vieles in der kulturellen Bildung. Neben den zahlreichen Einzelprojekten, die landesweit neu entwickelt wurden, lassen die gut ausgestatteten Programme der großen Akteure auf eine weitere positive Entwicklung hoffen.

Aber haben wir damit die Lösung gefunden? Investieren wir richtig? Hat jedes Kind, jeder Jugendliche zumindest mittelfristig die Chance, Kunst und Kultur kennen zu lernen, zu erfahren und aktiv auf Dauer in sein Leben einzubauen? Wie sehen die Zugänge, wie die Hindernisse aus? Bestimmen nicht nach wie vor Zufälle die kulturelle  Bildungsbiografie von Kindern und Jugendlichen stärker als die Strukturen, die eine Begegnung mit den Künsten ermöglichen sollen?  Wie können wir erreichen, dass gleiche auch gerechte Chancen bedeuten?

Der siebte Kinder zum Olymp!-Kongress untersucht die Zugangsmöglichkeiten zu Kunst und Kultur für Kinder und Jugendliche. Mit Vorträgen, Podien und einem künstlerischen Programm im Plenum sowie parallelen, interaktiven Foren zu spezifischen Aspekten des Feldes liefert der Kongress Anregungen für die Praxis und bietet darüber hinaus eine Plattform für den methodisch-inhaltlichen Austausch der Akteure. Er wendet sich an Vertreter aus Kultur und Verwaltung, Schule und Kindergarten, aber auch an Eltern, Künstler, Vermittler und Wissenschaftler.  

Die Bildungsinitiative Kinder zum Olymp! der Kulturstiftung der Länder setzt sich seit ihrer Gründung 2003 für eine anspruchsvolle und gleichzeitig leicht zugängliche kulturelle Bildung ein, die alle Kinder und Jugendlichen erreicht.

Die Kulturstiftung der Länder veranstaltet den Kongress gemeinsam mit der Kulturstiftung des Bundes und der Bundeszentrale für politische Bildung. Kooperationspartner sind das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg, die Robert Bosch Stiftung und das Bundesministerium für Bildung und Forschung.