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Strategien der Bildentstehung in individuellen und gesellschaftlichen Kontexten bei Louise Bourgeois

Louise Bourgeois` Kunst erschließt sich vor dem Hintergrund einer verinnerlichten Perspektive: „Der schöpferische Impuls für alle meine Arbeiten ist in meiner Kindheit zu suchen.“ Ihr Werk, das sich zwischen Surrealismus, abstraktem Expressionismus und Minimalismus bewegt, entzieht sich allen künstlerischen Klassifikationsbestrebungen. Louise Bourgeois` Arbeiten basieren auf Erinnerung, Emotion und Reaktivierung von Kindheitserinnerungen und folgen einem subjektiven Ansatz, bei dem alle Arten von Material und Formen, von abstrakter Geometrie bis zu organischer Realität, verwendet werden. Ihre Arbeiten untersuchen Fragestellungen rund um Verwundbarkeit und Angst und greifen meist auf eigene Lebenserfahrung zurück. Trotz der zutiefst persönlichen Bezüge in ihrem Werk reicht Bourgeois‘ einzigartige Bildsprache letztendlich über beides hinaus und wirft universelle Fragen zum Leben und zur Kunst auf. Vorstellungen über die Frau und ihre verschiedenen Formen, einschließlich der Rollen von Tochter, Ehefrau, Mutter und Geliebter, werden anhand eines Vokabulars wiederkehrender Motive untersucht: Spinnen, Spiralen, der „Bogen der Hysterie“, Doppelformen und verschlungene Stoffkörper. Arbeiten wie die „Zellen“ untersuchen Fragestellungen rund um Verwundbarkeit und Angst. Für Bourgeois repräsentieren sie physischen, emotionalen, psychologischen, geistigen und intellektuellen Schmerz.

Die Fortbildung vermittelt biografisches und kulturwissenschaftliches Wissen, einen Einblick in das jeweilige künstlerische Werk und gibt praktische Anregungen, wie man sich beispielhaften Werken inhaltlich und interpretatorisch nähern kann.

Termin: 24.01.2020, 10-17 Uhr

Dozentin: Heike Ising-Alms

Kursgebühr: 70 Euro

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Thomas Struth: Fotografie als Konstruktion der Wirklichkeit

Ausgangspunkt der Fotoprojekte Thomas Struths ist die Idee. Erst dann folgt die Auswahl des Motivs. Seine Form ist eine dokumentarisch anmutende Serie von Abbildungen einer teilweise inszenierten Wirklichkeit.

Nach einer kurzen Einführung in einige Aspekte der Fotografie, Überlegungen zu Fotoprojekten und zu den Themen von Thomas Struth werden wir an verschiedenen Stationen praktisch arbeiten. Anhand verschiedener Werkgruppen Struths erkunden wir im Studio und im Außenraum, wie wir Wirklichkeit fotografisch abbilden, erfinden, ergänzen oder in das Bild integrieren können. Den Leitfaden bilden dabei Überlegungen, was ein Abbild sein kann und inwiefern wir Realität konstruieren wollen. Die Herangehensweise des Künstlers sowie die Inhalte und Kompositionen seiner Werke können dabei einen Startpunkt für unsere eigenen Arbeiten bilden – sowohl im Sinne der Aneignung als auch der Abweichung vom Vorbild.

Termine: 05.12.2019 oder 06.02.2020, 10-17 Uhr

Dozent: René Sikkes

Kursgebühr: 70 Euro

Zzgl. Materialkosten: 10 Euro, Sicherer Umgang mit der eigenen Kamera ist Vorrausetzung und bitte eine Digitalkamera mitbringen.

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Die Konstruktion von Wirklichkeit in den Werken von Thomas Struth

Thomas Struth, als Fotograf in der Düsseldorfer Fotoschule von Bernd und Hilla Becher beeinflusst, ist bekannt für seine über Jahre entstehenden Werkgruppen. Hierbei widmet sich der Künstler einem Thema, indem er ein Motiv in formal ähnlich bleibender Anlage so variiert, dass das zugrunde liegende Konzept sowie die spezifische Differenz sichtbar werden. Aufnahmen von Straßen und Plätzen internationaler Städte fordern in der Serie Unbewusste Orte zum vergleichenden Sehen heraus. Die Porträts von Familien zeigen die Beziehung zwischen Individuum und Gemeinschaft in unterschiedlichen Kulturen. Landschaften, z. B. der Serie Löwenzahnzimmer, und technische Anlagen werden zumeist menschenleer aufgenommen, führen uns dennoch die vom Menschen geprägte Welt vor Augen, gekennzeichnet von Kultivierung und Urbanisierung, Technisierung und Globalisierung. Die Gruppe der Museumsbilder wie Museo del Prado, zugleich Betrachtende und Betrachtetes erfassend, thematisieren Prozesse der Kunstrezeption auf einer Metaebene. Bildwelten und Weltbilder sind Gegenstand dieser künstlerischen Reflexion, die Sehgewohnheiten und Vorstellungen als Modelle des Wirklichen präsentiert und in Frage stellt.

Die Fortbildung führt in die künstlerische Position Thomas Struths innerhalb der zeitgenössischen Fotografie vor dem Hintergrund von Foto- und Medientheorie ein. Die Beziehung zwischen Bild und Welt sowie die Strategien zur Konstruktion von Wirklichkeit werden anhand exemplarischer Werke analysiert.

Termine: 14.01. oder 11.02.2020, jeweils 10-17 Uhr

Dozentin: Dr. Marina Linares

Kursgebühr: 70 Euro

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Die Konstruktion von Wirklichkeit in den Werken von Thomas Struth

Thomas Struth, als Fotograf in der Düsseldorfer Fotoschule von Bernd und Hilla Becher beeinflusst, ist bekannt für seine über Jahre entstehenden Werkgruppen. Hierbei widmet sich der Künstler einem Thema, indem er ein Motiv in formal ähnlich bleibender Anlage so variiert, dass das zugrunde liegende Konzept sowie die spezifische Differenz sichtbar werden. Aufnahmen von Straßen und Plätzen internationaler Städte fordern in der Serie Unbewusste Orte zum vergleichenden Sehen heraus. Die Porträts von Familien zeigen die Beziehung zwischen Individuum und Gemeinschaft in unterschiedlichen Kulturen. Landschaften, z. B. der Serie Löwenzahnzimmer, und technische Anlagen werden zumeist menschenleer aufgenommen, führen uns dennoch die vom Menschen geprägte Welt vor Augen, gekennzeichnet von Kultivierung und Urbanisierung, Technisierung und Globalisierung. Die Gruppe der Museumsbilder wie Museo del Prado, zugleich Betrachtende und Betrachtetes erfassend, thematisieren Prozesse der Kunstrezeption auf einer Metaebene. Bildwelten und Weltbilder sind Gegenstand dieser künstlerischen Reflexion, die Sehgewohnheiten und Vorstellungen als Modelle des Wirklichen präsentiert und in Frage stellt.

Die Fortbildung führt in die künstlerische Position Thomas Struths innerhalb der zeitgenössischen Fotografie vor dem Hintergrund von Foto- und Medientheorie ein. Die Beziehung zwischen Bild und Welt sowie die Strategien zur Konstruktion von Wirklichkeit werden anhand exemplarischer Werke analysiert.

Termine: 14.01. oder 11.02.2020, jeweils 10-17 Uhr

Dozentin: Dr. Marina Linares

Kursgebühr: 70 Euro

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Singen in der Grundschule, neue Lieder "Frühlings-, Sommer- und Abschiedslieder"

Frühlingslieder singen, Sommerlieder kennenlernenund vielfältigste Ideen für den Schul- und Choralltag zur Umsetzung mitzunehmen ist Ziel dieser Fortbildung.

Für die kommende Frühlings- und Sommerzeit lernen Sie neues Repertoire kennen, lernen mit alt bekannten Melodien neu und spaßbringend umzugehen und sind so bestens gewappnet für den Alltag.

Auch der Abschied vor den großen Ferien wird musikalisch thematisiert und umgesetzt.

Diese lebendige Fortbildung schöpft aus Altem und Neuem und nutzt die Vielfalt an Gestaltungsmöglichkeiten.

Für Pädagog*innen die mit Kindern im Alter von 5-11 Jahren arbeiten.

Musikalische Vorkenntnisse sind toll, aber in keinem Fall zur Teilnahme notwendig.

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"Mini da Vincis": Forschen und Gestalten

Kinder werden zu forschenden Künstlern bei diesem wissenschaftlich-künstlerischen Projekt, das seit Jahren in Düsseldorf erfolgreich in mehreren Grundschulen umgesetzt wird. Die Kinder lernen verschiedenste Arbeitsweisen und Techniken kennen und begegnen immer neuen Herausforderungen: vom Beobachten in der Natur bis zum Erforschen von Gesetzmäßigkeiten mit Hilfe von Alltagsgegenständen und frei verfügbaren Materialien.

So erleben sie sich selbst als Gestaltende einer Welt, deren Gesetzmäßigkeiten sie immer besser verstehen lernen.

Erfahrungsgemäß sind die Momente, in denen die Kinder freie Hand haben und mit den ihnen zur Verfügung gestellten Materialien ohne Versuchsanordnung, Vorschriften und Ermahnungen umgehen dürfen, "Sternstunden", in denen das aufregend Neue geschieht. Hier ist die Schnittstelle zwischen naturwissenschaftlichem Experiment und experimentellem künstlerischem Ausdruck!

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Decolonizing Art History. Zur postkolonialen Revision europäischer Kunst

Vor dem Hintergrund anhaltender Migrationsbewegungen, perpetuierter und neuer Formen des Kolonialismus, erstarkender Integrismen und Identitarismen sowie einer zunehmenden Bedeutungsverschiebung des Rassismusbegriffs wandelt sich auch die Erforschung der (Vor)Geschichte globaler Verflechtungen, kolonialer und binnenkolonialer Machtverhältnisse und der damit einhergehenden Konstruktionen des Eigenen und des Fremden. Postkolonialen Forschungen folgend gilt es zu prüfen, inwiefern diese Prozesse auch und möglicherweise besonders die bildenden Künste und ihre Historiographie betreffen. Zugleich ist zu fragen, wie sich Ansätze der Post Colonial Studies zu den historischen Begriffen der Konstitution von Macht und Herrschaft insgesamt und den zu deren Analyse in anderen Diskurszusammenhängen entwickelten Modellen und Ideologemen (z.B. Humanismus, Zivilisationsprozeß, Sozialdisziplinierung, Urbanisierung, Kapitalismus, Imperialismus, Modernisierung, Gender, Antisemitismus, Binnenkolonialisierung, Globalisierung) verhalten.

Die Tagung „Decolonizing Art History. Zur postkolonialen Revision europäischer Kunst“ nimmt die hochaktuellen identitäts- und kulturpolitischen Debatten etwa über einen neuen Umgang mit dem kolonialen „Erbe“ zum Anlaß, um deren Folgen für den Blick auf die europäische Kunst und deren Geschichte auszuloten. An ausgesuchten Werken fragt die Tagung hierzu im Sinne einer postkolonial perspektivierten Revision nach im- oder expliziten Kolonialismen. Im Zentrum steht dabei die Frage, auf welche Weisen und in welchem Umfang Werke der europäischen Kunst und die Kunstgeschichte selbst mit Kolonialismus und affinen Denk- und Handlungsmustern in Zusammenhang zu bringen sind und welche Bedeutung dies für Herrschafts- und Hegemoniebegründungen in historischen und aktuellen Feldern der Politik, den Künsten und Kunstdiskursen hat.

Es gilt zu fragen, auf welche Weise Artefakte an Konstruktion und Distribution kolonialer Kategorien wie dem „Anderen“ und „Fremden“ sowie an herrschaftslegitimierenden Diskursen Anteil haben und damit schließlich auch daran partizipieren, was als „Eigenes“ und „Vertrautes“, Herrschendes und Beherrschtes erscheint und wirksam wird. Inwiefern verhalten sich koloniale Stereotype spiegelbildlich zu herrschaftssichernden Fremd- und Selbstbeschreibungen? Mit welchen visuellen Strategien wird hier bewußt oder unbewußt argumentiert und gearbeitet? Von welcher Kolonialgeschichte oder welche Kolonialgeschichten erzählen die einzelnen Werke? Und inwiefern kann oder muß Kunst generell als eine Praxis verstanden werden, die im Zu-Sehen-Geben Differenzen zwischen Eigenem und Anderem voraussetzt, perpetuiert und schafft?

Die Tagung richtet sich besonders an Kunstlehrerinnen und -lehrer, für deren tägliche Arbeit mit und an Werken der europäischen Kunst die postkoloniale Kritik ein kultur- und bild-politisch hochaktuelles Werkzeug darstellt, um aktuelle Kolonialismen, Diskriminierungen und Machtverhältnisse aus der historischen und systematischen Tiefe der Kunstgeschichte heraus bis zur Gegenwartskunst und visuellen Alltagsgestaltung zu reflektieren und dekonstruieren, um sie zu anderen Deutungsmustern der politischen Funktionen von Kunst und Künsten ins Verhältnis zu setzen.

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Upcycling

Zeitraum

05.03.2018 bis 09.03.2018

Halt: nicht wegwerfen! Noch in Gebrauch! Großformatige und farbintensive Raum-Installationen sind nicht auf teure Arbeitsmaterialien angewiesen. Ver- und gebrauchte Alltagsgegenstände aus Plastik, Nylon, Pappe, Holz oder Metall bieten eine kostengünstige und dennoch ästhetisch erscheinende Möglichkeit für plastische und räumliche Gestaltungen.

Mit Alltagsmaterialien können atmosphärische Welten inszeniert werden, die gleichermaßen die Fantasie der Künstler*innen und der Betrachter*innen anregen.

Thematische Schwerpunkte
»» Methoden zum Einstieg in den künstlerischen Prozess mit den unterschiedlichen Materialien
»» dreidimensionale individuelle Bilder
»» Raum-Installationen mit Alltagsgegenständen und performatives Spiel

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bauhauspolitik. der neue mensch

Immer von Neuem muss der tief in die Gesellschaft und ihre Grundlagen hineinwirkende Anspruch des Bauhauses aus der oberflächlichen Adaption seiner Grundlehre, Produkte und Formen herausgearbeitet werden. Einhundert Jahre nach der Gründung des Bauhauses richtet die Tagung den Blick hierzu ganz auf dessen Einbindung in die sozial-, wirtschafts-, kultur- und bildungspolitische Umwälzung der Moderne.
Bis in die einzelnen Gestaltungsvorgaben prägte die Erwartung, der Gesellschaft gestaltend dienen zu dürfen, Lehre und Arbeit am Bauhaus. Diese demütige Selbstaufgabe, die von Studenten gelegentlich als „Gehirnwäsche“ erlebt und bezeichnet wurde, belohnte das Bauhaus mit einem besonderen ästhetischen und sozialen Genuss: dem gemeinsam erlebten Pathos der Nüchternheit. Den Bauhäuslern versprach man hierzu nicht mehr und nicht weniger als die Mitwirkung an der Herausbildung einer neuen Gesellschaft und des Neuen Menschen.
Um die Dringlichkeit der Transformation von Mensch und Gesellschaft zu unterstreichen, wurde die Gesellschaft dabei als Notgesellschaft vorgestellt. Die Verknappung der Ressourcen begründete die Forderung nach Übertragung der Prinzipien der Ökonomie auf Gestaltung und Selbstdisziplin. Hierin begründeten sich etwa auch die Enthistorisierung und die Typisierung in der Lehre und Gestaltung am Bauhaus. Die Gewissheit, ganz einer absoluten und totalen Moderne zu dienen, prägte die avantgardistische Radikalität im gesamten ästhetischen und politischen Diskurs am und ums Bauhaus.
Unter dem Anspruch kultureller Nachhaltigkeit als Teil einer Bildung für nachhaltige Entwicklung lebt diese Forderung nach einer Ökonomisierung der Gestaltung aktuell wieder auf. Auch um die Intentionen solcher Forderungen und ihre Wirkung auf Gesellschaft, Politik und Kultur begreifen und einordnen zu können, hilft es nach hundert Jahren neu ernst zu nehmen, was schon das Bauhaus vor allen Dingen war: Teil einer tiefgreifenden politischen Operation an der Gesellschaft und jedem einzelnen Menschen.
Im Spiegel der Bauhausdebatten bleiben auch Aporien der Politik greifbar, von denen noch heutige Kontroversen geprägt sind. Mitten im globalen Roll-Back unserer Tage begreift die Tagung das Ringen des Bauhauses um die Moderne als Menetekel des heutigen Ringens um Begründung und Zukunft von Politik und Gesellschaft.
Die Tagung richtet sich besonders an Kunstlehrerinnen und -lehrer, die ihr Unterrichtsfach in der aktuellen Diskussion um die gesellschaftliche und politische Verantwortung von Gestaltung und Bildung aus der Substanz des Faches heraus verorten.

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Künstlerisch systemische Therapie

Zeitraum

05.11.2018 bis 09.11.2018

Wirksame kreative und künstlerische Veränderungsprozesse anregen Künstlerische Therapien setzen disziplinübergreifend künstlerische Formen oder Medien wie Tanz und Theater, Musik und Malerei etc. in psychotherapeutischen Prozessen ein. Die künstlerisch-systemische Therapie sieht darin nicht nur eine methodische Komponente, sondern legt dem therapeutischen Veränderungsprozess ein systemisches Prozessverständnis zugrunde: Über das Medium Kunst werden Klient*innen zu irritierenden und weiterführenden Erlebens-, Verhaltens- oder Sichtweisen eingeladen.

Die Kurswoche bietet eine praktische Einführung in die künstlerisch-systemische Therapie im Querschnittsbereich zwischen Tanztherapie, Theatertherapie und systemischer Therapie. Erweitern Sie als Künstler*in, Pädagog*in und/oder Therapeut*in kreativ ihr Handlungsrepertoire, sowohl für die professionelle Rolle als auch für persönliche Anliegen